Programme de recherche « L’œuvre en acte » - Approches contemporaines de la création et de la réflexion artistiques - ACCRA

Sommaire

En bref

Ce programme de recherches se proposait d’examiner quelles étaient les « modalités d’activation » des œuvres et des pratiques artistiques dans l’espace public. A une époque où le numérique et la globalisation entraînent de nouvelles stratégies de diffusion, on a analysé leurs différents modes de présentation et de représentation. On s’est également occupé des multiples manières de les comprendre, les interpréter et les évaluer.

Ce programme abordait trois champs de recherche principaux : les espaces et les lieux d'une part ; les aspects ontologiques, esthétiques, économiques, juridiques de l’œuvre d'autre part ; et enfin, les aspects pratiques, théoriques et stratégiques de l’œuvre.

Espace urbain et paysages sonores

Ce champ de recherche est étudié plus spécifiquement au sein du programmes de recherche « Espaces et lieux » de l'ITI CREAA. Les projets visent à comprendre l’articulation entre l’acte artistique et les lieux publics, dans une approche diachronique. Les espaces publics, qu’ils soient intérieurs ou extérieurs, sont ainsi considérés comme lieux de la fabrique du sonore, au sens où les arts constitutifs de la performance entrent en interaction avec l’architecture et l’urbanisme, comme lieux physiques de diffusion du son et symboliques de l’expression d’un pouvoir. Cette mise en contexte de l’acte artistique au sein des paysages sonores est constitutive d’une identité culturelle que l’on peut étudier à différentes époques. Pour appréhender ce champ de recherche, trois thématiques ont été mises en exergue et sont étudiées par plusieurs groupes de travail.

1. Les places publiques antiques comme lieux de production artistique : artisanat et exécution

Le groupe de travail « Les places publiques antiques comme lieux de production artistique » aborde la thématique des places publiques antiques sous les angles complémentaires :

de l’artisanat, en constituant une base de données de vestiges d’instruments de musique antiques ;
et de l’exécution, en replaçant les propriétés acoustiques des instruments dans le cadre urbain des cultures antiques.

2. Place et cour comme lieux d'inscription de l'acte artistique dans un espace sonorisé

Le groupe de travail « Chorémanies : contagions émotionnelles, gestuelles et sonores »

Le groupe de travail « Felsina resonans : musiques et spectacles dans la Piazza Maggiore de Bologne / Les sons de Gonzague : musiques et spectacles à la cour mantouenne » au sein du CREAA, qui reprend un des projets menés auparavant par le groupe de travail « Musique et espaces urbains ouverts : la « Place » » au sein du GREAM, aborde cette thématique par l'étude des rapports multiples entre musique et espace urbain de la Renaissance à la fin de l’époque baroque, au prisme des situations des villes d’Italie du Nord que sont Bologne et Mantoue, à la fois complémentaires et antithétiques. D’un côté, la « place » de Bologne est étudiée comme expression du lieu public par antonomase, de l’autre, la « cour » de Mantoue comme représentation architecturale du pouvoir.

3. Musique urbaine et espaces non-urbains

Le phénomène d’interaction entre espace urbain et paysage sonore peut être confronté à son antithèse, c’est-à-dire une musique d’origine urbaine qui se tourne vers les espaces non-urbains. Afin d'illustrer cette antithèse, le groupe de travail « Espaces urbains et espaces non-urbains : les musiques du Nord » s'est constitué pour étudier plus spécifiquement le cas du boréalisme qui s'immisce intentionnellement ou non dans les œuvres nordiques (par exemple, dans la musique islandaise, chez Björk, Sigur Rós, Kaleo, Ásgeir, Of Monsters And Men...). Le boréalisme, porteur d’un imaginaire du Nord se traduisant par une nature vierge et aride, une utopie d'une relation fusionnelle de l’humain et de la nature, une persistance des croyances païennes, est en principe défini avant tout de manière exogène (à la manière de l'orientalisme, qui imprime des imaginaires développés par l'Occident sur l'Orient), mais est aussi dans ce cas relayé de manière endogène (et ce faisant, l'est-il comme un calque ou de manière actualisée, c'est-à-dire réinvestie, redéfinie de l'intérieur ? cela reste à découvrir).

Aspects ontologiques, esthétiques, économiques, juridiques de l’œuvre

Ce champ de recherche aborde des aspects ontologiques, esthétiques, économiques, juridiques etc. qui peuvent influencer une œuvre tout au long de son processus de création, de production ou encore de diffusion, en mettant en exergue la manière dont ces aspects interagissent avec l'œuvre à chaque étape mais aussi en fonction des changements que les espaces virtuels induisent sur l’acte artistique, de l’enregistrement à la création assistée par ordinateur par exemple. A ce jour, trois thématiques ont été déterminées, et chacune fait ou a fait l'objet d'une étude approfondie par un groupe de travail spécifique.

1. Musique et intermédialité dans le cyberespace : questions esthétiques, ontologiques, économiques et juridiques

Les recherches menées par le groupe de travail « Musique et intermédialité dans le cyberespace », plus particulièrement au sein du programmes de recherche « Espaces et lieux » de l'ITI CREAA, portent sur l'examen des conséquences esthétiques, ontologiques, économiques et juridiques du passage de la musique en régime numérique et notamment dans le cyberespace. Il s’agit également d’élargir cette enquête à la question de l’intermédialité (le processus d’hybridation, de convergence ou d’interaction entre médias distincts à l’intérieur de la même œuvre ou du même artefact), et notamment au rapport entre les pratiques musicales et les technologies sonores et visuelles à l’ère du web (de l’opéra au vidéoclip). Trois perspectives d’approfondissement sont mises en exergue :

une enquête sur les processus de production ;
une enquête sur la manière d’être des entités musicales et audiovisuelles ;
une enquête sur les façons dont nous en faisons l’expérience.

Les principales problématiques abordées sont celles de l’identité (des œuvres et des genres), la place des auditeurs et les nouvelles conduites d’écoute, la diffusion digitale, la question des métadonnées appliquées aux objets sonores et la dimension intermédiale qui sous-tend ces productions.

Les recherches de ce groupe de travail « Musique et intermédialité dans le cyberespace » élargissent les travaux qui avaient été menés sur certains aspects de la thématique par deux autres groupes de travail au sein du LabEx GREAM :

le groupe de travail « Musique et enregistrement » se proposait d’approfondir le rôle que l’enregistrement a joué (et continue à jouer) dans les processus de création, exécution et réception de la musique. L’exploration de l’(ample) bibliographie existant sur ce sujet avait amené à poursuivre plusieurs axes de réflexion ;
le groupe de travail « La musique à l'ère du web » entendait étudier les transformations dans le système de diffusion d’un produit artistique à l'ère du web en adoptant deux démarches : celle qui part de l’analyse des transformations techniques pour s’intéresser ensuite aux contextes sociaux ; et celle qui se concentre sur l’examen des modifications produites par la technique sur l’objet musical lui-même.

2. La résonance des rythmes, entre esthétique, arts plastiques et biologie

Le groupe de travail « La résonance des rythmes » cherche à explorer, essentiellement au sein du programmes de recherche « Espaces et lieux » de l'ITI CREAA depuis 2021, à décrire et à discuter les stratégies d’artistes contemporains qui installent des collaborations avec des acteurs non humains, tels que des bactéries, des insectes ou d’autres animaux. De telles démarches se développent de plus en plus à mesure que la prise de conscience écologique se répand aussi dans le monde de l’art. A travers l’usage et l’articulation de différents médias et langages, il s’agit d’examiner comment l’implication des acteurs non-humains contribue à la structure spatio-temporelle des œuvres. Les stratégies de collaboration avec d’autres vivants que les humains posent la question de la correspondance ou de la dissonance des rythmes humains et des rythmes des autres vivants. L’œuvre est le lieu de cette rencontre des rythmes, et sa structure et son efficacité sont liés à la forme de cette rencontre, son accordage. Cette perspective donne la clé pour analyser les œuvres et saisir leur structure et leur déploiement propre dans une durée par nature imprévisible. Les rythmes des différents vivants dessinent également des formes de spatialité différentes en fonction de leur manière de faire l’expérience du monde. Un questionnement essentiel concerne en effet l’espace dans lequel se déploie l’œuvre (espace humain et non-humain) et la manière dont ces espaces hétérogènes s’articulent les uns avec les autres.

3. Utopies de la gratuité d'une œuvre

La gratuité de l’art peut a priori sembler un leurre, en raison des nécessaires coûts de création et/ou de production des œuvres, lesquels peuvent de surcroît se multiplier selon le nombre d’artistes, de techniciens ou d’administratifs à mobiliser, par exemple lorsqu’il s’agit d’assurer un circuit de diffusion à grande échelle. Or, il s’agit, précisément, de montrer que l’art et la gratuité peuvent faire bon ménage, parce que de nombreux artistes revendiquent avec force ce partage non marchand de l’art, ou le coût minimal de l’œuvre, pour des raisons aussi bien économiques, idéologiques qu’esthétiques, et parce qu’ils sont nombreux à faire en sorte que la gratuité existe sous diverses formes.

Le groupe de travail « Utopies de la gratuité » avait souhaité envisager, non seulement différents arts – théâtre, danse, cinéma, musique, arts plastiques ou arts de la rue –, mais également croiser plusieurs champs ou postures d’analyse – économie, politique culturelle, éthique, théorie esthétique ou processus créatif –, de manière à offrir un panorama diversifié de gratuités, et au-delà du don ou du partage de valeurs ou de biens communs

Aspects pratiques, théoriques et stratégiques de l’œuvre

Actuellement, ce champ de recherche interroge essentiellement trois thématiques, chacune approfondie par un groupe de travail.

1. L’activation artistique

Dans un article célèbre « L’art en action » (traduction française dans COMETTI Jean-Pierre, MORIZOT Jacques et POUIVET Roger (dir.), Esthétique contemporaine, Paris, Vrin, 2005), Nelson Goodman a introduit la notion d’activation des œuvres d’art. L’important dit-il n’est pas tant ce que les œuvres sont, mais ce qu’elles font. Faire, pour une œuvre, c’est fonctionner symboliquement et esthétiquement dans des espaces et dans des lieux. Mais comment est-il possible aux œuvres de faire voire d’agir ? Quels modes de compréhension et quels usages des œuvres sont requises pour cette activation ? Pour examiner ces questions, il est important d’étudier des pratiques artistiques et des usages esthétiques, mais aussi tout un ensemble d’opérations sans lesquelles les œuvres ne fonctionnent pas – voir n’existent pas comme ce qu’elles sont.

Ce travail comprend une approche théorique, à la fois ontologique (identité et identification des œuvres d’art) et métaphysique (nature des œuvres d’art, qu’elles soient considérées génériquement ou en fonction d’arts différents, voire de pratiques artistiques diverses). Il comprendra aussi une approche d’application aux différents arts, voire à des œuvres précises. Cette démarche, poursuivie par le groupe de travail « Nelson Goodman et l'activation artistique » au sein du CREAA, vise à un renouvellement de la réflexion en philosophie de l’art, à partir de Nelson Goodman, mais dans une perspective interrogative plutôt qu’exégétique. Comment les œuvres d’art sont-elles actives alors même qu’elles ne sont pas des êtres vivants capables d’action ? – telle est la question fondamentale dont les réponses seront explorées.